Afin d'être efficace lorsqu'on travaille sur un projet, il faut avoir une base solide sur les fonctionnements et possibilités de son DAW. Je compose principalement sous Cubase mais j'ai également des connaissances sur d'autres logiciels. Pour avancer sereinement il faut savoir gérer les prises audio et les instruments virtuels via le MIDI, les plugins (VST), mais surtout avoir une bonne organisation de travail (timewarp, expressions maps, piste vidéo, routage, ...), surtout lorsqu'on compose sur de l'image.

Avant de se lancer dans le mixage "brut" à l'aide de tout un tas d'outils, il faut savoir programmer ses instruments virtuels et savoir les équilibrer, notamment en orchestral, si l'on souhaite avoir un rendu le plus réaliste possible. Je travaille avec diverses librairies (Cinematic Studio Series, Spitifire, Orchestral Tools, CineSample, 8Dio, ...).

Qu'est-ce que c'est et à quoi cela sert ? Le mixage est une notion devenue très à la mode depuis plusieurs années et aujourd'hui toutes les productions de premier plan passent par les mains expertes des ingénieurs sons. Mais pour vos maquettes ou pour des projets à budget plus restreint, il est essentiel que vous soyez en capacité de réaliser vous-même un mixage correct !

Automation, EQ, Compresseur, Reverb, Delay, Transient shaper, ... autant de notions que nous étudierons afin de savoir les utiliser dans de bonnes conditions.

Pour réaliser un mixage correct il faut avoir une méthodologie précise ! Tout cela se prépare afin d'avancer progressivement dans le mixage (mix brut, statique, dynamique).

Quel est le but du mastering et qu'est ce qui le différencie du mixage ? Quels outils va-t-on utiliser ?

Apprentissage de la notion de ton, de note, d'altération, d'intervalle et de tessiture. Nous aborderons l'écriture et la lecture de note à l'aide de la portée et des différentes clefs (Sol, Fa et Ut).

Approfondissement du travail autour de la partition afin de comprendre les valeurs des notes, la signification du tempo et de la métrique ou encore les nuances et autres éléments musicaux rythmiques et structurels.

Qu'est-ce qu'un accord et comment le construire ? Nous verrons ensemble les différents accords qui existent, les façons possibles de les étager ainsi que leurs extensions possibles.

Qu'est-ce qu'une gamme tonale ? Comment est-elle construite et quelles relations ses notes entretiennent-elles ? On verra ensuite les enchaînements d'accords possible que l'on peut mettre en place selon la gamme utilisée. Familiarisation avec l'outils du Cercle des Quintes.

Nous aborderons ici une notion importante de la musique tonale : Les Fonctions Harmoniques. Grâce à cela nous verrons comment mettre en place un discours musical efficace et narratif afin d'exprimer des idées et émotions par nos enchainement d'accords. Pour cela nous introduirons les différentes cadences ainsi que les principaux types d'emprunts et leurs utilisations. Nous aborderons ensuite une notion importante de la musique tonale qu'il faut savoir mettre en place : la modulation. Le chapitre se terminera par la présentation de règles d'écriture afin d'optimiser son dialogue musical.

La musique ne s'arrête pas aux gammes tonales ! Ici nous aborderons les modes musicaux et comment écrire musicalement en se basant sur eux plutôt que sur la tonalité. Cela permettra d'enrichir sa musique et d'explorer de nouvelles émotions et idées. Puis nous verrons qu'il est possible de faire cohabiter simplement modalité et tonalité.

Présentation de ces notions pour apprendre à composer pour plusieurs voix et ouvrir son esprit à d'autres méthodes de composition.

Cette fois-ci on va aller plus loin que les échelles tonales et modales ! Selon les émotions que l'on souhaite aborder ou encore l'influence esthétique que l'on souhaite donner à notre musique, il est important de s'ouvrir à d'autres types de gammes qui ne comporteront d'ailleurs pas forcément 7 notes...

Pour réussir une musique il faut également savoir la structurer. Nous verrons l'ensemble des éléments qui peuvent constituer un morceau ainsi que les formes et les genres musicaux les plus usuels. On approfondira la structuration mélodique afin de mieux comprendre comment, à partir d'un motif simple, arriver à créer une mélodie accrocheuse.

On va maintenant se servir de tout ce que l'on a appris pour composer ! On partira de la création d'un motif de base, des choix qu'on l'on devra faire pour ensuite le développer afin d'arriver à des phrases musicales structurées. Une fois notre phrase obtenue il faut arriver à créer un paragraphe musical cohérent puis enchainer plusieurs paragraphes afin de raconter musicalement une histoire !

L'orchestration est un point important pour donner une identité et une émotion à un morceau. L'utilisation d'un orchestre (même virtuel) nécessite un minimum de connaissance théorique, de méthode et de technique d'écriture afin d'obtenir un résultat satisfaisant. En plus de tout cela, nous verrons comment arriver à bien gérer les doublures, les mélanges de pupitre ou encore quelles sont les spécificités de certains types de musique.

Pour ceux qui cherche à se perfectionner ou se professionnaliser on pourra commencer par discuter ensemble sur vos interrogations ! Cela nous permettra de parler des qualités et des capacités qu'il faut avoir pour travailler dans ce milieu.

J'aborde ici ce qui fait la spécificité de la musique dite "à l'image" (comme par exemple le fait de devoir trouver des idées en lien avec une histoire de base, la cohabitation avec le sound design et les dialogues ou encore la composition à partir d'une musique dite temporaire). On abordera l'aspect créatif via la réflexion à avoir sur une scène afin de composer une musique plutôt thématique ou plutôt d'ambiance.

Comment créer un thème, une mélodie qui soit efficace ? Comment concevoir sa musique avec du leitmotiv ? Ou encore à quel moment savoir jouer avec le silence ? Tout cela sera abordé dans ce chapitre.

L'émotion est au cœur de la musique de film ! Encore faut-il bien la choisir en sachant jouer avec les couleurs harmoniques, les intervalles ou encore l'orchestration. On abordera certains "clichés" au travers plusieurs exemples de style (romantique, fantastique, action, tension, ...).

Je vous parlerai ici d'une notion assez méconnue mais ô combien importante si vous voulez réussir à répondre à une commande d'un réalisateur : La spotting session ! On verra ensemble son intérêt et comment la mettre en place pour structurer ses idées musicales et mieux comprendre l'apport de la musique dans un film. Cela sera un guide précieux pour avancer rapidement et sereinement dans une commande.

Je partagerai avec vous ici des méthodes de travail afin d'arriver à s'organiser lorsqu'on travaille sur un projet. On traitera aussi bien de l'aspect créatif de la composition, l'aspect pratique et technique de l'utilisation de séquenceur pour composer ou encore du travail avec un arrangeur/orchestrateur.

Si vous le souhaitez on pourra regarder ensemble des œuvres célèbres afin de comprendre ce qui a été fait et surtout pourquoi ! De Inception à Star Wars en passant par Retour vers le Futur ou encore le 6ème sens, on pourra travailler sur ce qu'il vous plaira !

Pour terminer et bien que cela n'ait pas de lien direct avec la composition, il peut être intéressant de comprendre l'étape de mixage d'un film. Comment est-elle réalisée et comment elle peut impacter la musique.

La musique de jeux vidéo est très différente dans sa façon d'être utilisée ! Il y a donc une approche très différente à comprendre et à mettre en place en phase de composition.

Il peut être intéressant dans un jeu de créer une interactivité plus ou moins forte entre joueur et musique. Pour cela il faut comprendre et être capable de concevoir sa musique afin qu'elle puisse répondre à ce besoin grâce à 3 notions importantes : la boucle, l'intégration verticale et horizontale.

Qu'est ce que la musique narrative ? Et quelle est son utilité au sein d'un jeu vidéo ?

Le terme systémique est devenu très à la mode depuis quelques années. Mais qu'est-ce que cela signifie et dans quelle mesure une musique peut être systémique ?

Une façon d'aborder la musique dans le jeu vidéo un peu plus rare et très spécifique !

On peut l'aborder avec un angle de vue un peu différent dans le jeu vidéo par rapport à un film.

On analysera ensemble quels phases de jeu (Assassin's creed, God of War, Zelda,...) afin de comprendre l'architecture musicale : comment elle se comporte et comment elle interagit avec le joueur.

La musique et le sound design dans le jeu vidéo peuvent passer par un logiciel spécifique pour être programmés : le moteur audio. Il donc important dès la phase de composition de réfléchir sa musique avec ces aspects en tête. Nous verrons également le logiciel FMOD, de sa prise en main à la mise en place des diverses méthodes d'intégrations musicales vues dans les chapitres précédents. On pourra également regarder ensemble l'implémentation musicale sur le moteur de jeux Unity ou Unreal Engine.

Ici on analysera de façon très détaillée le fonctionnement de la musique et de comment elle joue sur l'immersion et l'interaction au travers du jeu : The Pathless.

Une notion très utilisée aujourd'hui mais dans laquelle se cachent beaucoup de définitions et de spécificités différentes ! Même si cela ne fait pas partie du rôle premier du compositeur, la musique moderne fait de plus en plus appel à des outils et des sonorités s'approchant du sound design.

Comme pour composer de la musique, il va falloir un minimum d'équipement et de connaissance en mixage pour pouvoir réaliser du sound design, c'est ce que nous verrons dans ce chapitre.

Le jingle sonore (publicitaire pour représenter une marque le plus souvent) a la particularité d'être traité soit via un court thème musical, soit par une approche basée plus sur un ressenti sonore s'apparentant plus à du sound design.

Cela s'apparente au jingle sauf qu'ici il est question de vidéo, il faut donc s'appuyer sur les images pour créer. C'est ce que l'on retrouve très souvent sur les vidéos d'animations de logo, de trailer, ...

On abordera ici les notions de fond sonore et de bruitage via : les sons directs, indirects, les "FX", la synchronisation.

On travaillera autour d'une courte scène pour mettre en place différents sons en essayant de créer du layering, des transitions, d'avoir de la créativité, de rechercher toujours le son "juste" et d'ajouter des effets si nécessaire.